TALLER DE ARTE - VERANO 2010 - EXPRESIONISMO REALISTA: José Clemente Orozco

EXPRESIONISMO REALISTA

Artista: José Clemente Orozco.
Título de la obra: El hombre de fuego.
Año: 1938-1939.
Ubicación de la obra: Guadalajara, Bóveda del Hospicio Cabañas.

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El expresionismo es adoptado en México de una forma muy particular. Los artistas mexicanos intentar plasmar la realidad de su época.

De tal manera que combinan la cualidad del expresionismo alemán de EXPRESAR su realidad con la cualidad del realismo francés de acercarse a la verdad de su entorno en la realización de sus obras.

Los expresionistas realistas se influenciaron de los momentos más importantes
que formaban parte de su devenir histórico, tales como:

- La conquista.

- El movimiento de Independencia.

- La Revolución Mexicana.

Uno de los objetivos principales de los expresionistas mexicanos era educar a la población, en su mayoría analfabeta, por medio del arte. Muchas de sus obras fueron grandes murales plasmados en edificios públicos.

Además, uno de sus principales temas fue la comunidad indígena. Pintaron sobre sus formas de vida, usos y costumbres.

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¿Te imaginas qué pintaría un expresionista realista mexicano de la época post revolucionaria, hoy en día?

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José Clemente Orozco

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José Clemente Orozco en 1930, retratado por Edward Weston.

Su nombre completo era José Clemente Ángel Orozco Flores. Nació en Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, el 23 de noviembre de 1883.

Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; interesado en la pintura mural, logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica.

El legado pictórico de José Clemente Orozco no sólo es cuantioso, sino impresionante por sus dimensiones y su magnitud: murales en la Escuela Preparatoria, frescos en el Templo de Jesús de Nazareno, en el Palacio de Bellas Artes y en la Suprema Corte de México; frescos en el Hospicio Cabañas, en el Palacio de Gobierno y en la Cámara de Diputados de Guadalajara. En diferentes ciudades norteamericanas, como en California en la Biblioteca Baker y en Nueva York en el Museo de Arte Moderno.

Trabajador incansable, Orozco hacía además de murales, retratos, composiciones, bocetos, y dibujos. Realizaba sus pinturas a la manera antigua, con una mezcla de temple y óleo, de la misma manera que los pintores medievales.

José Clemente Orozco no era ciertamente un gran colorista, probablemente porque su interés fundamental era captar y plasmar en los muros las agonías y angustias del hombre, del dolor humano. Grises, oscuras y amargas son muchas de las imágenes de este mexicano, quien evita la sensualidad y en cambio nos muestra un mundo oprimido y opresivo, denso, aguerrido y desgarrado.

¿Sabes de que se diferencia Orozco de otros artistas del movimiento expresionista mexicano como Rivera y Siqueiros?

A diferencia de Rivera y Siqueiros, Orozco retrata la condición humana no sólo desde una perspectiva nacional, sino que en muchas de sus obras se interesa por valores universales.

Orozco, al igual que Rivera y Siqueiros sigue la tendencia de expresar mediante sus obras la forma de vida de los indígenas y plasma imágenes del proceso histórico mexicano. Aunque, de acuerdo con los críticos de arte, Orozco se acerca más a la verdad en sus obras cuando pinta a los personajes y periodos de la Historia de México, siendo más justo en la proyección de lo bueno y lo malo del legado de los mismos.

Sin importar que cada uno de estos artistas tenían estilos diferentes, en el año de 1922 José Clemente Orozco se unió a Diego Rivera y a David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, intentando recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno. Para 1946, juntos integrarían la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes. En ese año recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México.En 1947 Orozco expusó en el Palacio de Bellas Artes.

José Clemente Orozco murió el 7 de septiembre de 1949 en la Ciudad de México, fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres, en la Ciudad de México.

En el siguiente video podrás apreciar las obras más importantes del expresionista mexicano, ¿Identificas alguna? Puede ser que la hayas visto en alguna de tus visitas a un museo o edifico en el que se encuentren sus murales, o tal vez en alguno de tus libros de Historia de la primaria.

TALLER DE ARTE - VERANO 2010 - EXPRESIONISMO ABSTRACTO: Arshile Gorky

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Artista: Arshile Gorky.
Título de la Obra: Noche, enigma y nostalgia.
Año: 1931-1932.
Técnica: Tinta china sobre papel.
Tamaño: 55.3 x 74.4 cm.
Ubicación actual: New York, Whitney Museum of American Art.

Con el expresionismo abstracto los ESTADOS UNIDOS asumen el liderazgo en las artes plásticas después de la segunda guerra mundial que mantendrán hasta los años 80's.

A pesar de que esta nueva corriente artística fue denominada por los críticos de arte como "expresionismo abstracto", los artistas de este movimiento rechazaron el término pues consideraban que su obra:

- No era abstracta, en estricto sentido. Pues en el arte abstracto los artistas utlizan formas, colores y líneas que tienen un significado especial para el artista que los plasma.

- Ni tenía relación alguna con el expresionismo alemán. Consideraban que sus técnicas y estilo eran muy diferentes.

Este movimiento artistico se caracteriza por:

- Su preferencia por los GRANDES FORMATOS. Es decir, hacer obras muy grandotas.

- En la mayoría de los casos, NO PLASMAN FIGURAS CONCRETAS.

- Los artistas consideran a la superficie de sus pinturas como un ALL OVER.

Y ¿qué es un "olover"? Bueno, aquellos que pintan y consideran su cuadro como un "all over", le dan la misma importancia a todo el espacio para realizar su obra, no tienen la intención de centrar o acomodar los elementos de su obra de manera que alguna parte capte más la atención de quién la aprecia que otra.

- Los colores que utilizan son limitados: negro, blanco y los llamados colores primarios del arte: amarillo, cian y magenta.

- Los trazos de las obras son violentos y se identifican con la angustia y el conflicto que refleja a la sociedad en la que surgieron este tipo de obras.

¿Quierés saber cómo surge el expresionismo abstracto?

Pues a pesar de que los expresionistas abstractos dicen que NO, los critícos del arte consideran que se influenciaron de dos corrientes artisticas:

- El ARTE ABSTRACTO. Como el de esta obra de Wassily Kandinsky de 1923.

- y El SURREALISMO. Como el de este dibujo de André Masson de 1924.

¿Tu qué opinas? ¿El arte abstracto y el surrealismo influenciaron al expresionismo abstracto norteamericano?

- También son importantes dos momentos históricos que marcarían la forma violenta del expresionismo abstracto: La CRISIS ECONÓMICA que surge en los Estados Unidos a partir de 1929 y la SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.

- Así como, el surgimiento de ORGANISMOS ARTÍSTICOS que apoyaron al arte en los Estrados Unidos durante los años 30's.

Arshile Gorky

Aquí podemos ver a Arshile Gorky fotografiado por Xavier Fourcade.

Su nombre completo y real estaba bien raro: Vostanik Manoog Adoyan. Nació en Armenia pero fue naturalizado como estadounidense.

No se conoce exactamente la fecha exacta de su nacimiento, debido a que los registros oficiales de su nacimiento fueron destruidos durante el genocidio armenio. El genocidio armenio se trata de la deportación forzosa y masacre de un número indeterminado de civiles armenios, calculado aproximadamente en la muerte de entre un millón y medio y dos millones de personas, durante el gobierno de los Jóvenes Turcos, en el Imperio otomano, desde 1915 hasta 1917, durante la Primera Guerra Mundial.

De acuerdo con algunos cálculos, se piensa que Gorky nació entre 1902 y 1905. (Cuando a Gorky se le preguntaba sobre su fecha de nacimiento, éste se mostraba impreciso y solía cambiarla).

Cuando Arshile Gorky era niño, su padre emigró a Estados Unidos en 1910 para evitar ser reclutado por el ejército, dejando a su familia en Armenia. Gorky abandonó Van, la ciudad en la que vivía, en 1915, huyendo del genocidio armenio. Escapó con su madre y sus tres hermanas a territorio controlado por Rusia. Buena parte de su familia fue víctima del genocidio armenio cometido por los turcos entre 1915 y 1918. A la muerte de su madre por hambruna, Gorky y su hermana Vartoosh viajaron en 1920 a Estados Unidos para unirse con su padre, sin embargo, nunca mantuvo con él una buena relación.

Ese mismo año se inscribió en la escuela, pero su falta de conocimiento del inglés y su edad lo aislaron de sus compañeros. Asimismo, Gorky tuvo mucha dificultad para adaptarse al estilo de vida estadounidense.

Cuando llego a Estados Unidos, se cambió el nombre de Vostanik Manoog Adoyan a Arshile Gorky, y durante el proceso de reinvención de su identidad llegó a hacerse pasar por primo de un novelista ruso, Máximo Gorky. Fue una de varias mentiras con las que intentó ocultar su origen armenio, como las de que era en realidad ruso o georgiano, había estudiado en París y había tenido como maestro a Kandinsky.

En 1922, Gorky se inscribió en el instituto de arte New School of Design, ubicado en Boston, y finalmente logró convertirse en profesor a medio tiempo. Entre sus alumnos hubo artistas como Mark Rothko. A principios de 1920 fue influenciado por el impresionismo. Años más tarde produjo obras postimpresionistas, durante esta época residía en Nueva York y fue influenciado por el artista Paul Cézanne.

A finales de la década de 1920 y principios de la siguiente, experimentó con el cubismo influido por Pablo Picasso, y finalmente adoptó el surrealismo en su obra.

De esta manera comenzaría una corriente denominada expresionismo abstracto que tendría gran influencia hasta los años 50's en artistas norteamericanos en un principio, y posteriormente en pintores europeos, japoneses y sudamericanos.

A los 31 años Gorky contrajo matrimonio.

Los últimos años de Gorky estuvieron llenos de dolor y desengaños. Su estudio se incendió, y a él le realizaron una colostomía a consecuencia de un cáncer. Además fue víctima de un accidente automovilístico en el que se fracturó el cuello, y el brazo con el que pintaba le quedó temporalmente paralizado. Entre otras cosas, su esposa lo abandonó después de haber estado casados por siete años, llevándose a sus hijos. Finalmente, Gorky se ahorcó en Sherman, Connecticut, en 1948, cuando contaba con 44 años de edad. Fue enterrado en el cementerio North Cemetery, en esa misma localidad.

Si te interesó la biografía del artista no dejes de ver el siguiente video que recopila sus obras más representativas como expresionista abstracto. Los primeros cuadros que observarás son expresionistas, pero no abstractos, y son retratos de él y su mamá inspirados en una fotografía de 1912; estas obras en particular, reflejan su profunda nostalgia por un mundo perdido.

TALLER DE ARTE - VERANO 2010 - EXPRESIONISMO: Emil Nolde

EXPRESIONISMO

Artista: Emile Nolde.
Título de la obra: Crucifixión.
Año: 1912.
Técnica: Óleo sobre tela.
Tamaño: 220.5 x 193.5 cm.
Ubicación actual: Berlin, Nolde Stifung Seebüll.

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura.

Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.

Los expresionistas adoptaron la subjetividad de los artistas del impresionismo. De hecho, deformaron la realidad para expresar de forma más subjetiva a la naturaleza y al ser humano. Lo más importante para ellos era EXPRESAR sus sentimientos. Recordemos que para los impresionistas también era importante la expresión de los sentimientos, aunque en ellos predominaba el intento de dar la IMPRESIÓN de plasmar la realidad.

Entre las características de las obras expresionistas se encuentran:

- El uso de COLORES CONTRASTANTES aplicados de forma VIOLENTA.

- A los expresionistas no les interesa definir determinadas técnicas en la ejecución de sus obras, sino simplemente que EL CONTENIDO EXPRESE SUS SENTIMIENTOS.

- Los temas de sus obras son principalmente: LA SOLEDAD, LA MISERIA, LA ANGUSTIA y EL TERROR. Además trabajaron aquellos temas denominados prohibidos: lo morboso, lo demoníaco, lo fantástico y lo pervertido.

La razón por la que estos artistas trabajaron con estos temas fue el contexto histórico en el que se encontraban:

- La angustia de una posible guerra de gran dimensión en el continente Europeo, desde finales del siglo XVIII.

- La Primera Guerra Mundial (1914-1918)

- El periodo de entreguerras (1918-1939)

- El rápido crecimiento industrial a partir del siglo XX que para muy pocos representaba un mundo mejor lleno de comodidades.

De tal manera que para los pintores EXPRESIONISTAS sus obras tenían la intención de reflejar el "clima sentimental" de la época. Para ello, distorsionaban la realidad con la intención de impactar a aquellos que observaran sus obras y llegar a su lado más emotivo e interior.

El EXPRESIONISMO fue un movimiento de JÓVENES que tenían la intención de CAMBIAR AL MUNDO a través del arte, expresando su sentir sobre la realidad para concientizar sobre la necesidad de SER MEJORES SERES HUMANOS.

Emil Nolde

Nació en Nolde en 1867, su verdadero nombre era Emil Hansen, que cambió por el de su ciudad de origen. Su familia era campesina, de una región cercana a la frontera danesa. Se inició en el arte en Flensburg como tallista de figuras de madera. Sólo el éxito de unas extrañas tarjetas postales, que reproducían algunas obras suyas, permitieron a Nolde dedicarse a su formación pictórica sin agobios económicos.

En París descubrió el impresionismo, que le impactó por el uso del color, pero el espíritu de los impresionistas estaba muy alejado de sus propios sentimientos. Nolde aplicaba el color en rápidos y nerviosos trazos que conferían a sus obras una turbulencia alejada de la tranquilidad y calma del impresionismo.

Así, en 1906, fue invitado a participar en el movimiento del Die Brücke, que en español quiere decir "el puente", y que fue uno de los grupos alemanes más importantes para la difusión del movimiento expresionista. Nolde se adhiere, pero demasiado independiente, al cabo de año y medio se separa de ellos.

En 1909 una grave enfermedad conmocionó su espíritu. Hombre profundamente religioso, se vería atormentado por su profundo sentimiento del pecado. Inicia una temática centrada en las representaciones bíblicas, en las que expresa dos elementos contrapuestos: la naturaleza bestial del hombre enfangado en el pecado y la felicidad tranquila de una vida espiritual.

Su crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional.

El viaje que realizó a Nueva Guinea entre 1913 y 1914 hizo que cristalizara en él un gusto por el arte tribal, que incluía tremendas distorsiones de las formas, modelos planos y violentos contrastes de color.

Cambió poco de estilo a lo largo de su carrera y se dedicó sobre todo a los paisajes y a las escenas de interior con figuras humanas.

La llegada de los nazis al poder en Alemania significó para Nolde persecución y calumnias. Su arte fue tildado en 1937 como "arte degenerado" y sus obras, en consecuencia, fueron requisadas; al mismo Nolde se le prohibió pintar. Todo ello a pesar de que Nolde se había afiliado al partido Nazi en 1936 y de que consideraba al expresionismo como la forma de arte que distinguía a Alemania. La cuestión era que para Hitler toda forma de modernismo era considerado degenerado.

Pasado el terror nazi y la hecatombe bélica que provocó, Nolde volvió a sus pinceles y a sus viejos temas, produciendo un importante número de acuarelas y grabados expresionistas.

Falleció en Seebüll en 1956. Tres años antes había recibido la muy honrosa "medalla del mérito" por parte del gobierno alemán. Ahí acababa el particular viaje de un artista denostado primero, ensalzado luego y renacido tan sólo cuando ya hubo fallecido.

¿Quieres conocer su obra? En el siguiente video destacan sus pinturas que retratan figuras humanas y algunas escenas biblícas. ¿Qué te provocan sus pinturas: ansiedad, tristeza, desesperanza, o algún otro sentimiento?

La influencia de algunos artistas que innovan, como Emil Nolde con la explosión de colores que utilizó, se hace presente al día de hoy en áreas que el propio artista jamás pensó, como la moda. En este video puedes ver la colección primavera-verano 2010 de la diseñadora española Kina Fernández, quien retoma la paleta de colores que utilizó Nolde al pintar sus flores.

TALLER DE ARTE - VERANO 2010 - FAUVISMO: Henri Matisse

FAUVISMO

Artista: Henri Matisse.
Título de la obra: Lujo, Calma y Voluptuosidad.
Año: 1904.
Técnica: Óleo sobre tela.
Tamaño: 98.5 x 118.5 cm.
Ubicación: Musée National d'Art Moderne, Centre George Pompidou.

El fauvismo (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera o salvaje en francés, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precusor de este movimiento fue Henri Matisse y tuvo gran influencia en la pintura posterior con relación al uso libre del color.

El término fauvismo surge durante la celebración del Salón de Otoño en 1905, ya que se presentaron numerosas obras a concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas, puesto que una serie de pinturas son calificadas de "incoherentes" y sus autores son excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre ese conjunto de obras "Mais c'est Donatello parmi les Fauves" (Esto es Donatello entre las fieras), por lo que de la palabra fauve derivó en fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. A los autores de las obras no les importó que los llamaran "salvajes" sino al contrario utilizaron tal palabra para distinguirse.

En 1904, Henri Matisse (padre del fauvismo), pinta "Lujo, Calma y Voluptuosidad", considerada como la obra síntesis del movimiento impresionista (pues reune elementos de esa corriente, junto con el considerado neoimpresinismo en el que se ubica al puntillismo y al post-impresionismo del que forma parte el fauvismo). Puedes observar que utiliza una gama de colores diversos aplicada de manera puntillista. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo sorprendieron a todos cuando fue expuesto. Su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica.

El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Matisse y Rouault, Marquet, Manguin, Camoin y Jean Puy. Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. Otros fauvistas importantes fueron Derain y Maurice de Vlaminck.

Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición ni orden. Así algunos artistas llegaron a aplicar la pintura de manera directa desde el tubo.

Características del fauvismo:

- El fundamento de este movimiento es el color liberado respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
* Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
* Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
* Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

- En esta búsqueda tan marcada por el color, van a olvidarse otros aspectos como el modelado, el claroscuro, la perspectiva la va a traducir en el uso de toques rápidos, vigorosos, los trazos toscos y discontinuos, la distorsión, es decir, todo lo contrario, aquello que da la sensación de espontaneidad.

- Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimientos.

- El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se va a olvidar de él. También va a destacar un aspecto decorativo en el que predominan los arabescos (que son líneas onduladas generalmente entrelazadas que imitan formas de hojas, flores, frutos, cintas, animales, entre otros)

- Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico.

- Con respecto a los temas, fueron muy diversos: algunos pintaron el mundo rural, otros el ámbito urbano. Por ejemplo, hubo quienes pintaron desnudos, interiores o paisajes (al igual que los impresionistas)

Henri Matisse

Henry Matisse Fotografiado por Carl Van Vechten en 1933.

Nació en Le Cateau-Cambrésis, una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas. Inició estudios para seguir la tradición familiar, pero durante una convalecencia empezó a pintar y entonces descubrió su vocación. Se trasladó a París, asistió a cursos en la Academia Julián y en 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes, recibiendo clases en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau, donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de relacionarse también con los artistas Dufy, discípulos de Pierre Bonnard.

Al comienzo de su trayectoria artística practicó el dibujo naturalista en un estilo tradicional y realizó copias en el Louvre (se "pirateaba" obras famosas expuestas en dicho museo). Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el puntillismo.

En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como "Lujo, Calma y Voluptuosidad". Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros.

Matisse pretendía crear un arte que propiciara la tranquilidad, y para ello se valía del uso de colores.

Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de sus cuadros, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano (es decir, las personas o cosas que se encuentran adelante o atrás las pinta con tonos de color similares).

En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido.

Hacia 1916 inició un período en el que estuvo influenciado por el movimiento cubista, de creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor.

Para el año de 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Produjo en este período algunas de sus obras más célebres, como Ventana en Niza y la serie de las Odaliscas, donde queda claramente plasmado el gusto de Matisse por la ornamentación y el uso de arabescos. En los años siguientes viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra en gran formato "La Danza" (que puedes observar aquí abajo).

Hacia principios de la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, y su máxima expresión de color se daría con los gouaches que realizó, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Es famosa en esta técnica su serie Jazz, de 1943-1946.

En 1950 decoró la capilla del Rosario de los dominicos de Vence, en la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Realizó así mismo un gran número de dibujos a pluma e ilustraciones para escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus grabados, el número de piezas alcanza las quinientas, entre litografías, aguafuertes y xilografías. También esculpió en bronce y colaboró escribiendo artículos para distintas revistas especializadas.

En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra. En esa misma ciudad había fallecido el 3 de noviembre de 1954.

Descubre el colororido y las formas decorativas de Matisse en el siguiente video. ¿Crees que las pinturas de este artista cumplen con su objetivo de transmitir tranquilidad?

TALLER DE ARTE - VERANO 2010 - PUNTILLISMO: Paul Signac

PUNTILLISMO

Artista: Paul Signac.

Título de la obra: El palacio papal, Avignon.

Año: 1900

Técnica: Óleo sobre tela.

Tamaño: 73.5 x 92.5 cm.

Ubicación actual: París, Musée d'Orsay.

El Puntillismo es un estilo de pintura que aparece por primera vez en 1883, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat.

El procedimiento empleado por los puntillistas consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela. La idea de este estilo artístico fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.

Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación del grupo: "los artistas independientes" (1884), todos ellos seguidores del puntillismo. Al igual que los impresionistas su estilo artístico no sería aceptado de inmediato por los críticos de arte tradicionales, por lo que ellos mismos se organizaban para exponer sus obras.

¿Podemos decir que los puntillistas eran unos impresionistas que pintaban con puntos?

Si y no.

Pues si bien, al igual que los impresionistas, los puntillistas querían dar la impresión de plasmar una imágen (en su mayoría de temas de la naturaleza, como los paisajes), estos pretendían estudiar los colores para encontrar la forma de crear efectos en el ojo humano que transformará de forma precisa los puntos de color en imágenes concretas.

Mediante la adopción de minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los cuales se correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia del objeto. A una distancia determinada esas partículas diminutas se mezclan ópticamente y el resultado tenía que producir una intensidad de colores mucho mayor que cualquier mezcla de pigmentos. En este sentido, sus estudios de luz y color sobrepasan los realizados por cualquiera de los impresionistas.

De la misma manera que los impresionistas, los puntillistas realizaban sus obras al aire libre, aunque generalmente las terminaban dentro de sus talleres.

Ni George Seurat ni Paul Signac, principales representantes del movimiento puntillista, estuvieron de acuerdo con el término que la crítica designó a su estilo artístico, ellos preferían llamarlo divisionismo o cromoluminarismo (que quiere decir pintura en color y luz). Al día de hoy, al puntillismo se le considera una corriente que se deriva del impresionismo, por lo que es denominado por algunos estudiosos del arte como neoimpresionismo.

El puntillismo entra en decadencia por los años 20, cuando sus postulados son tan estrictos que los temas que se utilizan (como los paisajes y las costas) se repiten y al haberse definido ciertas técnicas específicas para dar forma y color, las obras se perciben con muchas similitudes, por lo que pareciera que el puntillismo deja de representar una propuesta para el arte.

Paul Signac

Paul Signac nació en París en 1863, en el seno de una familia de un pudiente maestro guarnicionero. Puede ser considerado pintor autodidacta. Comenzó su carrera como arquitecto, pero lo dejó a los dieciocho años para dedicarse a la pintura.

En 1882 se inscribe en la Escuela de Bellas Artes. En 1884 conoció a Monet y Georges Seurat. Quedó impresionado por los métodos de trabajo sistemáticos de Seurat y por su teoría de los colores y se convirtió en su seguidor. Bajo su influencia abandonó las cortas pinceladas del impresionismo para experimentar con los puntos de color puro, científicamente yuxtapuestos, que pretendían combinar entre sí, no mezclarse sobre el lienzo, sino en el ojo del espectador, el rasgo que define al puntillismo.

Navegó por las costas de Europa, pintando los paisajes que encontraba. Muchos de sus cuadros son de la costa francesa. Dejaba la capital todos los veranos, para permanecer en el sur de Francia, en la villa de Collioure o en Saint-Tropez, donde compró una casa a la que invitaba a sus amigos.

Signac amaba navegar y comenzó a viajar en 1892, en un barco pequeño a casi todos los puertos de Francia, Holanda, Colombia y alrededor del Mediterráneo, llegando incluso hasta Constantinopla, teniendo la base de su barco en St. Tropez. De todos esos puertos en los que estuvo, Signac llevó consigo acuarelas vibrantes y coloridas, tomadas rápidamente del natural. A partir de estos pequeños esbozos, pintó grandes lienzos en su taller, que están cuidadosamente trabajados a partir de pequeños cuadrados de color, a modo de mosaico, bastante diferentes de los pequeños puntos multicolores que previamente había usado Seurat.

Signac experimentó con varios medios. Además de pintura al óleo y acuarelas, hizo aguafuertes, litografías, y muchos esbozos a pluma y tinta compuestos de pequeños y trabajados puntos.

Los puntilliastas influyeron en la siguiente generación de artistas. Signac inspiró, en particular, a Henri Matisse y André Derain, desempeñando de esta manera un papel decisivo en el desarrollo del "fauvismo".

Como presidente de la «Société des Artistes Indépendants» desde 1908 hasta su muerte en 1935, Signac animó a artistas más jóvenes (fue el primero que compró una pintura de Matisse) exponiendo las controvertidas obras de los fauves y de los cubistas.

Observa con atención el siguiente video que recopila el trabajo de Paul Signac. ¿Cómo cuántos puntos de color le coloca a cada uno de sus cuadros?

TALLER DE ARTE - VERANO 2010 - IMPRESIONISMO: Claude Monet.

IMPRESIONISMO

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Artista: Claude Monet.
Título de la obra: Impresión. Sol Naciente.
Año: 1872.
Técnica: Óleo sobre tela.
Tamaño: 48 x 63 cm.
Ubicación: París, Musée Marmottan.

¿Sabías que los críticos de arte de la segunda mitad del siglo XIX se escandalizaron con la nueva corriente artística que surgió en Francia?

La mayoría de ellos, como el crítico Louis Leroy, se burlaban de esta nueva forma de pintar.

Es importante mencionar que sobre la obra de Claude Monet, "Impresión. Sol naciente." (que puedes observar arriba), el crítico Leroy dijo: "¡Una impresión, desde luego! Debe haber alguna impresión ahí. ¡Y qué libertad, qué audacia en la ejecución! El papel pintado más grosero tiene una composición más cuidadosa que ese mar de pintura!"

De esta burla surge el término IMPRESIONISMO para designar a esta nueva corriente artística que tendría reconocimiento y aceptación hasta principios del siglo XX.

Si tus amigos se ríen de tus dibujos porque tienes un estilo muy particular para hacerlos, diles simplemente que intentas innovar y marcar una nueva tendencia en el mundo del arte, como sucedió con las obras de Monet.

El impresionismo es relevante en el mundo del arte porque representó el nacimiento del arte subjetivo.

¿El arte QUÉ?

El ARTE SUBJETIVO. Que se refiere, en la pintura, a plasmar las emociones de los artistas en un cuadro, haciendo a un lado la tendencia de pintar a las personas y a los objetos de forma perfecta, como si se tratará de una foto. En el arte subjetivo no importa pintar la cara de una persona con color verde o ponerle diez ojos, o salirse de la raya al pintar, siempre y cuando el artista sienta que de esa manera expresa sus ideas.

No obstante, para los artistas impresionistas, resultaba importante dar la IMPRESIÓN de la realidad en sus obras. Aunque esa realidad no fuese exacta.

Uno de los precursores de este movimiento artístico, Édouard Manet, decía por ejemplo: "Yo pintó lo que veo y no lo que otros acceden a ver."

De cierta forma, a partir de entonces cada artista comenzó a hacer lo que se le daba la gana. Aunque cabe mencionar que los artistas han sido agrupados a lo largo de la historia de acuerdo con las técnicas utilizadas en la ejecución de sus obras.

En el caso del impresionismo podemos mencionar que entre sus características se encuentran:

- La preferencia por pintar PAISAJES.

- La RAPIDEZ en la elaboración de las obras.

- El trazo de LARGAS PINCELADAS.

- La ELIMINACIÓN del COLOR NEGRO de la paleta de colores.

- La AUSENCIA de PERSPECTIVA. Es decir, a los artistas no les interesa crear efectos de profundidad en sus obras o colocar a los objetos de manera que unos parezcan más cerca o más lejos que otros.

Claude Monet

Este es Oscar Claude Monet en 1889.

Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en Paris - 5 de diciembre de 1926 en Giverny, también conocido como Oscar Claude Monet y Claude Oscar Monet) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Por esa época el realismo había tomado gran importancia, debido a que los artistas comienzan a reflexionar sobre la realidad en la que vivían: un mundo desigual.

A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada: "Impresión, sol naciente", que le dio nombre al movimiento.

Sus pinceladas largas y coloridas fueron consideradas por los críticos del arte como una desviación del gusto de la época, lo que empeoró su situación económica, pues nadie quería comprar obras de arte hechas al "ahí se va".

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores.

Monet tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Las primeras exposiciones impresionistas se organizaron de manera independiente a las exhibiciones de arte realizadas tradicionalmente.

Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890.

En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un tema es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Entre 1908 y principios de los años 20 Monet sufre de los ojos, le diagnostican cataratas, durante ese lapso se dedica a pintar series de su jardín, en especial de sus nenúfares. Muere el 5 de diciembre de 1926 en su casa de Giverny, Francia.

En el siguiente video podrás observar una recopilación de las obras del precursor del impresionismo, en las que podrás apreciar, entre otras cosas, sus coloridos paisajes y su propio jardín, del que destacan sus nenúfares (plantas acuáticas con flores). ¡Están muy chidas!

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